TEXTOS DE CATÁLOGOS Y PRENSA

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SEN PINTURA.

Mª José Santiso

Os traballos de Mª José Santiso danlle a razón ós que apostan pola pintura no presente, a pintura de proxecto. Esta pintora lucense inicia a súa traxectoria a comenzos do noventa una vez retornada da  Facultade de Belas Artes de Salamanca. O seu sempre foi un percorrer desde e ante a abstracción, opción na que se detivo e que define as súas obras actuais, complementada desde diferentes vertentes que pouco a pouco foron saíndo das experiencias nestes anos.

Todo o seu traballo foi una continua viaxe de achega ó lenzo, non tanto de descubrimento senón de investigación. Unha ollada, curiosamente, constructiva pero, sobre todo, de estructuración en capas, capas en positivo e en negativo; peles como idas e voltas dun diario. Falamos de peles ou diferentes estractos, de superposicións na recreación dunha determinada paisaxe, creando una topografía. Sorprende empregar termos asignados a outras disciplinas como parte da súa pintura, coas que a propia autora se sinte moi implicada e cómplice: arquitectura, escultura ou arqueoloxía, mesmo xeografía. Porque cada un dos seus traballos extractan una curiosa sensación de pintura inestable, contaminada, de pintura que  ten apelidos e apéndices explicativos e que nunca acaba de quedar, de perseverar.

Pintura de abstracción que muda de pel segundo pasan os anos, os días ou as horas. Obra terreal, obra palimpsesto. Porque na súa produción sobresae un pracer ou goce polo propio proceso de construcción, o cómo e porqué da composición. Por iso os seus cambios, nunca enmarcados en series, son respostas a novas esixencias pictóricas, pero sen nunca alterar a metodoloxía do traballo. A súa investigación “bidimensional” evoluciona desde un primeiro chanzo de acoutamento do lenzo polo recurso das tramas, como fixo Almudena Fernández e enriquécese na biografía das capas como instrumentos de medición temporal, o que realmente lle interesa, poñerlle chanzos a un proceso.

Logo chega a medición, o pulso contido do xesto, a cor almacenada en campos pechados e, por suposto, as texturas. Logo a escala. Mª José Santiso concentrouse nos traballos sobre papel que protagonizaron a súa produción a mediados da pasada década, pero son nas súas pinturas, nunha fusión de disparidade de técnicas e soportes, onde recrea a súa mellor faciana, polo menos a máis definida. A presente mostra amosa una selección  dos seus últimos traballos, que tamén serán exhibidos na colectiva de artistas lucenses que o Museo de Lugo presentará o mes de marzo en Madrid.

Mudan as direccións, non o pretexto de busca do lenzo, nunha obsesiva achega da verdade e que vai deixando, coma un caracol, vestixios nesa procura. O lenzo en branco, o lenzo territorio. Unha composición que se acouta en bandas verticais, en depuración de composicións pasadas, por iso non é casual que sinta interese por autores que converxan liñas pictóricas e plásticas, Richard Serra ou Richard Therrien; artistas que, curiosamente, cando pintan fano desde a complicación técnica, indefinida e preñada de contaminacións. Será este interese impulsivo polo soporte como campo de investigación plástica o que leva a esta artista a una metodoloxía implacable, a recorrer a composicións de veladuras e sucesivas capas que van construindo e deconstruindo, creando tensións. Ou tamén por iso mesmo calcula anacos de narracións extensas, pequenos episodios nunha trama maior, igual que Mondrian ou Uslé. As súas últimas obras corren o perigo de perderse, de evaporarse na paisaxe de nada do fondo do lenzo ou do bastidor, pero Santiso concreta un intre de conclusión, exercicio de reconstrucción, de limpeza vertical para descubrir, para concluir. Un traballo  depurado que non remata de definirse, en ruptura, por eso resulta tan atraente, porque cada una das súas pinturas son confirmacións reais de que a pintura marca e define un tempo, concreto e diario. A pintura proxecto.

                                                                                        José Manuel Lens.

                                                                                        Revista Tempos. Febreiro 2004.

SEN TÍTULO

Sen  convencións.  Sen símbolos  nen referentes.  Sen palabras.  Só Pintura.

Pintura de pintura. Metapintura. Sen título.

Xesto. A man da escultora primeira na textura necesaria. Na raíz, a materia.

A trama do liño, a vida da madeira, a sensualidade do óleo. Memoria natural.

 Memoria táctil da materia.

Trazo. Saber as trazas. Pensar o trazo. Os universos infindos da mínima liña. Cambiar o mundo nun trazo vermello. O peso da humanidade no vermello; a profunda insolencia dese trazo. A Horizontal e a Vertical da xeometría humana, a morte e a vida, a materia da vida. Xeometría. Vida. A pintora percorreu ela soa os camiños todos das artes valentes, agromaron nela os xestos revolucionarios dos precursores. Radicalidade da marxe, da dura marxe. Ronseis dos campos de cor. Liberar o trazo. Liberar a materia.

Cor. Vibración. Equilibrio. Tantos negros no negro como pintoras na pintora. Arqueoloxía de azuis. Vermellos orgánicos. Brancos dende o branco. Rosa insospeitado. Afinidades electivas. Augas subterráneas, mares de pigmentos. E sempre a liña. Sen concesións. Negra.

Ollar. Intimidade da cor e de quen mira. Aprender a mirar. Ollada matérica. Fonda. Dimensións inexploradas da sensación. Sima. Aprehender o desbordamento de toda contención, o diálogo desvelado da man, a cor e a superficie. Ollar primeiro. Intenso. Ollar que é tempo.

Tempo. Subvertir a temporalidade. Coa liña pero sin límites. Imprimir o tempo coma trazo. Imprimirse no trazo. O tempo do xesto contén todos os xestos como o tempo do óleo contén todos os óleos. Memoria colectiva. Memoria individual. Memoria da materia. Calas. Estratos. Tempo material. Somos o que fumos. Intervencións. Redescubrir a materia: raspala, expoñela, corroerla, cubrila e volvela mostrar. Ata a trama. ¿Da materia dos soños? Pasado táctil. Futuro libre. Crear o tempo. Vivir o tempo. Plenamente. Inventar a propia dimensión.

Co espacio. Coa forma e máis coa cor. Coa luz. Só Pintura. Sen título.

                                                                                    María Lopo.

                                                                                    Catálogo Casa de Galicia. Madrid.

                                                                                    Febreiro 2003.


                                                                                

El SÍNDROME DE PENÉLOPE

Me volví a acordar de la exposición de Mª José Santiso casi sin querer, al día siguiente de visitarla. Iba a pintar la cancilla de mi jardín con esmalte negro y, al lijar la superficie metálica, fueron apareciendo sucesivas capas de pintura de años anteriores, maravillosamente enriquecidas por el aire y por la lluvia. Aquí y allí, en aquel mínimo trabajo de arqueología familiar, pequeñas pero maravillosas formaciones de verdín y extrañas, fascinantes manchas de orín invitaban a un festín visual acorde con la belleza de la serena mañana de septiembre. Era una lástima tener que recubrir con pintura toda aquella maravilla.

Me acordé entonces, y vuelvo a acordarme ahora, de los óleos de esta lucense meditabunda, de exquisita seriedad personal y artística. Se decanta conscientemente por los colores fríos aludiendo a su propia personalidad introvertida e intimista, aunque en esa seriedad encuentra, por lo visto en la muestra, ese punto álgido para que la mente sea capaz de eludir prejuicios estéticos, en busca silenciosa de la propia identidad. Así su discurso artístico  emana siempre una frialdad lunar, distante con respecto al espectador pero siempre sugerente.

Superficies telúricas, con frecuencia de fríos veteados marmóreos, pueblan las obras de Santiso. Pues posee una feliz y dispar vocación presuntamente inocente pero perturbadora: sensualmente abstractiva, matérica, al servicio de formas capturadas ocasional, irracionalmente…y sin embargo intelectualmente geométrica, puritana, necesitada de un orden en el que las superficies no desborden su propia energía y se emparenten en cuadrados, bandas, rectángulos, con otras distintas, ofreciendo un resultado múltiple y contenido, sereno y meditado.

Lisas, monócromas superficies limitan con otras plenamente naturalistas, sin reminiscencias minimalistas, aunque hablar de “naturalismo” en la pintora lucense sea aludir a la geología, a la estratigrafía, a las emanaciones de formas ocultas bajo la naturaleza visible, vegetal y paisista. Naturalismo, el suyo, mineral, inquietante, donde su afán por delimitar campos geométricos no es sino un remedo de cristalización. Su cariz humano, más emocional, comienza con sus meditaciones acerca de la materia misma de sus óleos, jugando con las capas sucesivas de color, pintando y despintando. Goza del síndrome de Penélope, haciendo y deshaciendo, y ciertas coloraciones rosáceas, como cielos de amanecida, auguran tiempos venideros en los que la geometría desaparecerá.

                                                                              Carlos Casanova.

                                                                               El Progreso. Septiembre 2000.

MARÍA JOSÉ SANTISO E O XOGO DAS APARIENCIAS.  

Ó finaliza-los seus estudios, na facultade de Belas Artes de Salamanca na década dos oitenta, María José Santiso establecerá reflexións sobre a pintura desde una óptica absolutamente persoal. O seu punto de arranque serán as súas propias preferencias plásticas, que basculan entre as estéticas constructivistas e a herdanza recibida dos diferentes expresionismos abstractos da segunda metade do século XX. Xunto a isto tamén formulará na súa disquisición estética un discurso sobre os límites da pintura na superficie do soporte. Con estas premisas meterase nun camino no que o proceso da construción da  obra tratará de ser borrado, xa que as capas de pintura inferiores- de marcado compoñente expresionista- irán sendo cubertas por grandes superficies case monócromas que van creando unha composición de módulos xeométricos rectangulares e cadrados de distintos tamaños dentro dunha gama fría de cores moi próxima á planitude. Unha estructura expansiva que poderá ser ampliada con imaxinación moito máis alá dos límites do cadro e que a propia pintora acentúa ó continuar pintando o lenzo nos diferentes cambios de plano que necesariamente ten que realizar para adaptarse e fixarse ó bastidor, como se estas zonas fosen tamén visibles para o espectador. María José trata de rompe-la convención de actuar únicamente sobre o que ten posibilidades de ser contemplado e amplía a pintura ós lugares recónditos do soporte aproximándose ó íntimo como parte do discurso, indo máis alá do componente público que a pintura como obxecto de exhibición leva implícito. Tamén a pintora trata de vulnera-lo aspecto minimalista que puidera conter a súa obra –as masas modulares de pintura case monócroma poden dar esa apariencia-, xa que cada campo de cor contén una orografía rica en matices e gradacións que fai que a frialdade inicial se perda tras una observación detida. Mª José xoga co engano que produce a apariencia e a realidade que se descobre trala reflexión. É polo que nalgún caso as capas inferiores de pintura quedan ó descuberto, como se dun arrepentimento se tratase, para deixar  patente a existencia doutras realidades diferentes no tan aparentes que serviron de base a soporte da superficie final constituíndo tamén unha parte indisoluble da obra.

Nos tres últimos anos prodúcese una inflexión na obra da pintora lucense, xa que deixará de interesarlle a limitación material do soporte e se centrará máis en aspectos do proceso pictórico, tratando de rescatar e sacar á luz os pasos intermedios que quedaron ocultos .É polo que, desde o momento que termina de pinta-los seus lenzos, en realidade o que comeza é un proceso inverso de desface-lo xa realizado.  É polo que comezará a actuar en zonas de pintura previamente acoutadas en superficies xeométricas simples –cadrados e rectángulos- e desenvolverá un labor de raspado, erosionado e eliminación de pigmento que a levara a redescubri-las capas inferiores realizadas no principio do proceso. Esta forma arqueolóxica de actuar supón reformular novamente o xogo que trata de poñer en evidencia consistente nun discurso sobre as diferentes realidades pictóricas existentes na superficie do cadro en onde o tempo é un componente fundamental. A aparición da estructura inferior leva implícita a visualización dunha cor menos contida que constatará cos campos de cor restrinxidos con que a pintora mimetiza a maior parte do soporte.

A obra de Mª José Santiso require do espectador diferentes lecturas e achega no seu discurso una sabia conclusión sobre a percepción visual que pon en tea de xuízo as distintas realidades visuais que só poderán ser albiscadas coa necesaria e detida observación que o espectador lle dedique á contemplación da súa pintura.

                                                                             Antonio Garrido Moreno.

                                                                             Catálogo xunta de Galicia. 2000.

MATERIA.

Viendo la exposición de Mª José Santiso recordé unos pensamientos de Roger Caillois citados por la escritora francesa Marguerite Yourcenar en  un libro precioso de viajes: ‘una vuelta por mi cárcel’.

No dejaba de asombrarse, con un asombro que resume casi todos los ismos del pasado siglo XX, de las coincidencias entre ‘arte natural’ y ‘arte humano’, o sea entre la oferta estética de la naturaleza, pura y no manipulada, y el trabajo creador del artista, que continuamente la transcribe.

Caillois gozaba comprobando cómo el mundo mineral, en superficies y vetas, “imitaba” la geometría de la arquitectura florentina.

Marguerite Yourcenar recordaba esto al ver una” piedra para soñar” taoísta, que en el siglo XVIII se utilizaban para meditar sin que la mano del hombre las retocara, con toda la admiración y el respeto hacia una obra de arte que tenía a la Tierra como autora.

Este respeto, nacido de una fascinación que ya en anteriores ocasiones me pareció orientalista, zen, se encuentra en la progresión de Mª José Santiso, cuya muestra actual es especialmente seductora, plena de intuiciones y sin embargo muy meditada, fruto del trabajo de una artista de extraño talento, silencioso e intimista.

La exposición de Santiso, no sé por qué extraña razón no subrayada por un catálogo antológico, es un canto coral a las superficies vegetales y minerales y, secundariamente, una invitación solapada a gozar de los tan lejanos (por tan cercanos) esplendores del haz de una hoja, la caligrafía de una rama, el tacto de una corteza, los dibujos de la erosión en el rostro de un canto rodado.

Con la particularidad de que este descubrimiento de la belleza matérica, se revela desde la misma superficie del cuadro, trabajada a su vez como naturaleza viva. Me gusta hablar de ‘naturaleza viva’ sólo para renegar del término ‘naturaleza muerta’, nefasto aunque no tanto como bodegón.

Las abstracciones de Mª José Santiso son naturaleza viva por su propia condición telúrica, observables como texturas autónomas o como descubrimientos imitativos de superficies y formaciones minerales, acotadas por una geometrización del soporte que multiplica (contrastadas por superficies monocromas) la profusión fabulosa de formas y frías escalas cromáticas, de distante encanto. El encanto lejano del bosque y de la tierra. Del ámbar y del carbón. De la naturaleza fosilizada, esencializada, abstracta.

                                                                                   Carlos Casanova.

                                                                                   El Progreso.Octubre 2003.

Mª JOSÉ SANTISO.

La pintura se comporta, en muchas ocasiones, como un agente con dispositivos de camuflaje, de desviaciones voluntarias que se interponen en una evolución creativa clara, definida, personal. Mª José Santiso representa la vida desde el arte, siempre desde la pintura como principal protagonista, pero mantiene lazos o reminiscencias que la aproximan a la disparidad multicreativa.

Mª José Santiso representa perfectamente la generación de artistas que, en la década de los ochenta, se formaron académicamente fuera de Galicia. Nacida en Lugo en 1964, inició su formación creativa en los dispositivos pedagógicos locales, sabiamente ejemplarizados en la Escuela de Artes y Aplicadas Ramón Falcón, donde se graduó con la especialidad en cerámica; dato que no resulta casual ya que en sus últimas obras comienza a trabajar con esta disciplina, acentuada tras el paso por la XXIX Experiencia Sargadelos en el año 2000. Su formación se completó, como Antonio Murado, autor también lucense, en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Salamanca, entre los años 1984-1989. Desde este año y tras su vuelta a Lugo para iniciar una actividad paralela como docente, inicia una prolífica trayectoria profesional subrayada por numerosas colectivas e individuales destacables.

Conviene trazar una línea recta en el análisis o metodología de aproximación a la obra de Mª José Santiso a lo largo de estos catorce años de trabajo, que se concretaron, como veremos, en diversas capas evolutivas. Sus obras, nunca enmarcadas en series, presentan una marca de seguimiento e identidad en torno a la abstracción; un lenguaje abstracto que se define desde sus primeros trabajos, acelerado en una contaminación de influencias y diferentes resultados. Pero si algo sobresale en sus obras es la propia metodología de su trabajo, el proceso de ejecución; aspecto que adquiere una importancia notable y que se irá desvelando en todas sus obras. Una preocupación incisiva por el cómo: la formalización de las ideas en el plano bidimensional, un escenario de cuestiones derivadas de la composición, la propia estructuración de formas, las doctrinas derivadas de las tramas, las capas como instrumentos de medición temporal o descubrimientos de una cierta arqueología del paisaje, estratos de una vuelta continua, todo unido a las pautas subjetivas de la textura, como piel de una topografía pictórica. El lienzo como territorio.

Pero Mª José Santiso no estanca el paisaje en una única disciplina, sino que se mueve en una cierta pretensión plástica, digamos espacial, que se demuestra en un interés enriquecedor por la escultura y la arquitectura, y por autores que, como Richard Serra, Mark Rothko o Robert Therrien mantienen esa cómplice vinculación pictórica- plástica. Una valoración que definía sus primeras obras presentadas en la propia facultad salmantina, con una pretensión claramente escultórica, al determinar unos grandes bastidores y posibilitar el protagonismo de los bordes, en una cierta dedicación o concreción de inestabilidad evolutiva. No resulta casual que entre sus profesores estuviera un cuestionador de las propias disciplinas, Fernando Sinaga, y que estos logros, como vemos, acompañen la trayectoria de nuestra artista.

En sus primeros trabajos a comienzo de los años noventa, que podemos encontrar en la colectiva “Presente Plural” se posicionó en el territorio de la abstracción austera y de mínimos, pero con una imperante necesidad de estructuración y acotación. Estos ejercicios iniciales, se complementaron con los verdaderos ejes vitales, por diversas circunstancias, de los años centrales de la década de los noventa: el trabajo sobre papel, alterado, diseccionado; territorio de cambios. Estos trabajos comienzan a definir una trayectoria que no abandona, el interés casi obsesivo por el soporte como campo de investigación telúrica, de estructuración racional, con tramas y bloques y, sobre todo, como barómetro de medición de tensiones más globales, fragmentos o acotaciones, al modo de Mondrian o, incluso, el propio Juán Uslé. El proceso de ejecución de la obra se prolonga en una construcción temporal, afirmada en una sucesión de capas y texturas que responden a diferentes estados. Estos dibujos fueron campos de experimentación, prototipos de expansión, donde se introducen conceptos que luego serán retomados. Explora para luego definir. Lo que determinan estas obras es la vocación de concretar una composición en cierto modo estables, recurriendo a elementos de centralidad y aparente simetría, como el disponer un bloque central alrededor del cual expandir las líneas y paisajes varios -color como emblema-, como fuerzas centrífugas u ondas expansivas; supone una pieza constructiva con referencias a una primigenia arquitectura adintelada, que acentúa una presencia terrenal, tectónica. Puerta, pórtico o ventana, prototipos de exhibición pictórica.

Hablamos de arquitectura, de tramas que organizan, de un guionista que se complace en las composiciones de veladuras, hablamos también de un cierto urbanismo rural que se concentra en grandes campos contaminados entre ellos, con fronteras sin definición, con estructuras o andamios que definen direcciones. Todo complementado con texturas terrúneas, erosionadas, acuosas o atmosféricas, que escapan  de referencias reales, restos de experiencias pasadas, letras o números como partes gráficas de la propia composición, remanentes de trazos, de gestos controlados que disimulan un impreciso expresionismo. Apasionada por el lienzo en blanco, nada mejor que limpiar, descubrir, actuar lavando y abrir campos en la propia pintura, para buscar la verdad, intervenciones en las capas como en una suerte de Land Art, como intentando revivir el proceso del cuadro, del territorio, nuestra propia historia. Trazos, como indicaba María Lopo, “infinitos universos de la misma línea”, geometría candente, en continua formación, vibración; el color como elemento de inestabilidad formativa.

El interés por el proceso y la vocación expansiva quedan perfectamente madurados en sus trabajos realizados a partir de 1998 y que definen su producción actual. Sobresale una preocupación más dispar por la composición, marcando una nueva dirección más centrada en el fragmento acotación o episodio de una trama mayor, pero sobre todo en una progresiva depuración de la producción, un crecimiento en texturas y, quizás lo más sobresaliente, en una mayor deconstrucción del lienzo, con campos de paisaje latifundista, por proseguir con una insistencia de términos topográficos. Obras que se concentran en una valoración de la frontera, de las pieles que laten en departamentos o habitaciones estancos, compartiendo, entre todas las obras, un bajo continuo musical de cromías, intereses y caras del tejido que se erosiona. Tiempo y memoria. Crecimiento horizontal o crecimiento vertical, línea de horizonte o estaca tectónica, barreras de percepción, el trabajo de Mª José Santiso, en estos últimos años mucho más depurado, se presenta en una progresiva labor de desvelamiento, de cubrir y descubrir. Crece la tensión, en un cierto manierismo compositivo, de ruptura, de dislocación. Polos opuestos y una necesidad de cuestionar, de buscar un origen en las múltiples realidades que irá presentando en toda esta suerte de palimpsesto. Fragmento, campo pequeño, explosión de colores, almacén de tierra, rojo de sangre o amarillo erosionado, lienzo desnudo o madera maternal, incógnitas impulsivas, emocionadas, de una realidad, de un proceso temporal que la autora concluye en un momento concreto.

El tiempo, episodio de un aliento de vida, confirma sus obras de estos últimos años, el fragmento adquiere definición propia y las líneas verticales se reparten en una existencia y resistencia recíproca, entre el negativo y el positivo de la composición. Mínimo y barroco, trazo y gesto, acción y reposo. Fondos y figuras que se deconstruyen sin remedio. Acotar lo que queremos contar, para luego desvelar el relato, por algo Tàpies está entre sus referencias, en su obsesivo camino hacia el lienzo.

                                                                                                                                                                 

                                                                                                                José Lens.





“De una obra abandonada…”

Residua. Samuel Beckett.

María José Santiso en su serie “Residua” –aludiendo a la obra de Beckett- juega con la recuperación y transformación de las obras inacabadas, terminadas y objetos cuya utilidad inicial fue otra. Embalajes de madera, cajas, contenedores que pierden su función y se convierten en deshechos. La pintura se comporta como una epidermis que intenta poner en valor esos objetos inútiles, esos “residuos”.

La intención de la artista no es la de incluir una idea de reciclaje en la recuperación de los objetos. Su obra no tiene relación alguna con intenciones ecológicas. Su obra remite al tiempo. Por ello María José en su modo de pintar con sucesivas capas superpuestas –algunas de considerable grosor-, deja intuir lo trabajado a lo largo de todo el proceso.

Los objetos que dialogan con la pintura –palets, o embalajes-, hacen referencia a la fabricación, industria o el transporte, y se incluyen como parte de la obra apoyando la narración.

Desde el punto de vista formal la elección del tamaño y geometría de algunas piezas también tiene una función importante, ya que la artista pretende hacer referencia al objeto mueble, abarcable, manipulable.

Los colores utilizados son, fundamentalmente, óxidos, ocres, negros y grises, una gama que aporta visualmente más presencia y peso a la obra, haciendo un guiño al componente industrial que posee.

La pintora, aunque da una importancia vital a la idea, también quiere que la obra posea un interés plástico evidente, lo que consigue a través de la técnica. Es por lo que es importante que se llegue a transmitir a través de ambos criterios plásticos la acción desarrollada en el proceso de ejecución. La fabricación de la obra debe de quedar patente.

También es importante en “Residua” el valor individual de cada pieza y, al mismo tiempo, la relación que se establece con el conjunto de las pinturas y con los objetos que potencian la estructura conceptual del discurso.

El espacio de la sala de exposiciones contribuye aun más y se convierte en un mero componente que dialoga con los diferentes objetos específicamente distribuidos y con el movimiento que realiza el espectador en su particular recorrido.

                                                                                                    Antonio Garrido.